Das Erwachsenwerden ist ein seltsamer Prozess und viele Filme, die dieses Thema behandeln, erzählen von großen Erkenntnissen und angestrebten Zielen. Jaume Claret Muxarts Langfilmdebüt „Strange River“ verweigert sich genau dieser Bewegung. Sein Film erzählt nicht davon, wie ein junger Mensch genau herausfindet, wer er ist, sondern von den viel diffuseren Momenten davor – von einer Zeit, in der sich etwas grundlegend ändert, ohne dass man es bereits begreifen kann.

Ein Film über krebskranke Jugendliche erweckt in meinem Kopf Bilder von Krankenhausfluren, Tränen und einer Geschichte, in der jeder unbeschwerte Moment zwangsläufig vom Wissen um den Tod überschattet wird. Regisseur George Jaques nimmt diesen Erwartungshorizont und macht beinahe das Gegenteil daraus: Sein „Sunny Dancer“ ist ein Film über Krebs, in dem Krebs erstaunlich selten im Mittelpunkt steht.

Die Sonne geht unter. Ein junges Mädchen stirbt. Und trotzdem wird es morgen wieder hell. Sandra Wollners „Everytime“ erzählt von Trauer und vor allem davon, wie schrecklich es sein kann, dass die Welt sich von ihr nicht beeindrucken lässt. Während für die Hinterbliebenen die Zeit stillzustehen scheint, läuft sie für alle anderen unbeirrt weiter. Genau diesen Widerspruch macht Wollner zum emotionalen Zentrum ihres Films. Wie verändert sich der Blick auf die Welt, wenn ein geliebter Mensch plötzlich fehlt? Was passiert mit Erinnerungen, mit gemeinsamen Zukunftsplänen oder mit Orten, die untrennbar mit einer Person verbunden sind?

Helen Macdonald hat eine Vogel – im wahrsten Sinne des Wortes. In ihrem autobiografischen Bestseller „H wie Habicht“ verarbeitet sie, wie der Habicht Mabel ihr in einer dunklen Lebensphase neuen Mut gab. Memoir, Roman, Naturbeobachtung und Traueressay greifen in diesem Buch so eng ineinander, dass sich die Geschichte kaum auf ihre Handlung reduzieren lässt. Regisseurin Philippa Lowthorpe steht mit ihrer Verfilmung damit vor einer schwierigen Aufgabe: Wie lässt sich Text, dessen größte Stärke nicht das Geschehen selbst, sondern das Denken und Fühlen seiner Autorin ist, in eine filmische Form übersetzen?

Christopher Nolan ist einer dieser Regisseure, bei denen jeder neue Film automatisch zum Kinoereignis wird. Kaum ein anderer seiner Filme polarisierte bereits Wochen vor Veröffentlichung so stark wie „Die Odyssee“: Während Fans schon anhand des Trailers ein Meisterwerk prophezeiten, wurden Entscheidungen rund um Casting und Inszenierung auf Basis minimaler Informationen zu Tode analysiert und kritisiert. Auf Social Media kam man kaum an diesen Debatten vorbei und daher war es schwer, unvoreingenommen in diesen Film zu gehen.

Das zeitgenössische Autorenkino leidet mitunter an einem merkwürdigen Widerspruch: Es behauptet oft, den Alltag abzubilden, strukturiert ihn aber dennoch nach den vertrauten Regeln klassischer Dramaturgie. Filmemacher Lucio Castro geht mit „Drunken Noodles“ einen anderen Weg und interessiert sich für das Ungeordnete im Leben selbst – für Begegnungen ohne Pointe, Erinnerungen ohne Chronologie und Beziehungen, die sich einer eindeutigen Einordnung entziehen.

Was ist gruseliger als Geister Dämonen und Serienkiller? Richtig! Männer. – Spaß beiseite, natürlich möchte in an dieser Stelle nichts und niemanden verallgemeinern, doch es lässt sich kaum bestreiten, dass viele der erschreckendsten Horrorgeschichten ihren Ursprung nicht im Übernatürlichen, sondern im Menschlichen haben. Genau an diesem Punkt setzt „Obsession - Du sollst mich lieben“, das Spielfilmdebüt von Regisseur Curry Barker, an und was als übernatürliches Phänomen beginnt, entwickelt sich schon bald zu einer beklemmenden Auseinandersetzung mit Besitzansprüchen und emotionaler Abhängigkeit.

Seit Jahrhunderten wird der Gesetzlose Robin Hood in Liedern und Legenden als Volksheld besungen – der Bogenschütze, der den Reichen nimmt und den Armen gibt, ein Rebell mit moralischem Kompass. Mit „The Death of Robin Hood“ hinterfragt Regisseur Michael Sarnoski diese Legende und untersucht, was von einem Helden noch bleibt, wenn seine eigenen Geschichten ihn einholen.

Die Frage nach außerirdischem Leben hat Steven Spielbergs Karriere geprägt wie kaum ein anderes Thema. Mit „Disclosure Day - Der Tag der Wahrheit“ kehrt er erneut zu jenem Motiv zurück, das bereits Filme wie „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ oder „E.T.“ begleitet hat. Doch statt eines reinen Science-Fiction-Abenteuers präsentiert Spielberg diesmal einen Film, der Verschwörungsthriller, Gesellschaftsdrama und metaphysische Sinnsuche miteinander verbinden möchte. Das Ergebnis ist ein Werk voller Ambitionen, das jedoch nicht immer die emotionale und erzählerische Kraft entwickelt, die seine Prämisse verspricht.

Mit „Masters of the Universe“ bringt Regisseur Travis Knight eine der bekanntesten Spielzeug- und Zeichentrickmarken der 1980er-Jahre zurück auf die große Leinwand. Eine erste Realverfilmun gab es bereits 1987, jedoch war diese ein totaler Flop. Die Neuverfilmung steht jetzt vor einer anspruchsvollen Aufgabe: Sie muss die ikonische Fantasywelt von Eternia sowohl für ein neues Publikum als auch für eingefleischte Fans zugänglich machen, ohne dabei die Charakteristiken der Vorlage zu verlieren.

Die Liebe einer Mutter gilt als eines der stärksten und bedingungslosesten Gefühle auf dieser Welt. Doch was, wenn diese Liebe auf einmal durch gesellschaftliche Erwartungen, behördliche Strukturen und tief verankerte Vorurteile infrage gestellt wird? „Love Me Tender“ von Regisseurin Anna Cazenave Cambert nimmt genau diese Ausgangsfrage und entwickelt daraus ein eindringliches und zunehmend beklemmendes Drama, das sich vor allem in seinen stillen Momenten entfaltet.

Irgendwo zwischen Katzenvideos und Nachrichten hat das Internet gelernt, Gewalt und Sensationslust in eine Form von Unterhaltung zu verwandeln. Doch welche Verantwortung trägt man, wenn man genau solche Inhalte konsumiert und ab wann ist man nicht einfach mehr nur Zuschauer sondern moralisch verantwortlich? „American Sweatshop“ von Kamerafrau und Regisseurin Uta Briesewitz stellt genau diese Fragen und bringt eigentlich alles mit, um relevant zu sein und dennoch verpufft dieser Film seltsam kraftlos.

Mit „Rosebush Pruning“ bringt der brasilianische Regisseur Karim Aïnouz ein hypnotisch-verstörendes Werk über familiäre Abhängigkeiten, emotionale Verwahrlosung und die fragile Konstruktion von Identität innerhalb privilegierter Räume auf die Leinwand. Dabei entwickelt der Film eine eigentümliche Sogwirkung: kühl beobachtend, ästhetisch streng und von einer unterschwelligen Grausamkeit durchzogen, die sich langsam, aber unaufhaltsam entfaltet.