Eine so bekannte und beliebte Geschichte wie Jane Austens „Sinn und Sinnlichkeit“ erneut zu verfilmen, ist keine leichte Aufgabe. Doch obwohl Ang Lees Verfilmung von 1995 mit Emma Thompson, Kate Winslet und Alan Rickman längst ihren festen Platz unter den großen romantischen Literaturverfilmungen gefunden hat, beweist Georgia Oakley mit ihrer Neuinterpretation, dass es sich lohnen kann, zu bekannten Stoffen zurückzukehren – mit traumhaften Bildern, großartigen Darstellerinnen und einem feinen Gespür für den Humor der Vorlage.

Trauer lässt sich nur schwer in Worte fassen. Sie ist widersprüchlich, unberechenbar und so universell wie subjektiv. Regisseur Dylan Southern versucht in seinem neuen Film „Das Ding mit Federn“, diesem schwer zu beschreibenden Gefühl eine Gestalt zu geben. Dafür verbindet er ein Familiendrama über Verlust und Überforderung mit Elementen des psychologischen Horrors und einer surreal anmutenden Bildsprache. Doch so vielversprechend dieser Ansatz auch klingt, steht sich der Film letztendlich oft selber im Weg.

Eine Gesellschaft, in der niemand krank wird, klingt eigentlich wie eine bestrebenswerte Utopie. Doch was passiert, wenn Gesundheit nicht mehr als Privatsache gilt, sondern zur gesellschaftlichen Pflicht wird? Genau in diesem Spannungsfeld bewegt sich „Corpus Delicti“ und entwirft eine Zukunft, in der Sicherheit ihren Preis hat: die Freiheit des Einzelnen. Dieser neue Film von Regisseurin Lena Stahl lotet aus, was deutsches Kino abseits von Komödien und Fernsehkrimis alles kann.

Was bedeutet Heimat noch, wenn man sie verlassen musste? Und was bleibt von einem Land, wenn man nach Jahren des Exils in es zurückkehrt und feststellen muss, dass es zwar noch existiert, aber nicht mehr dasselbe ist wie in der eigenen Erinnerung? Paweł Pawlikowskis „Vaterland“ erzählt von genau diesem inneren Konflikt. Zwischen persönlicher Erinnerung, historischer Schuld und familiären Spannungen entwirft Pawlikowski ein Deutschland, das zugleich vertraut und fremd erscheint. „Vaterland“ ist ein Film über die Unmöglichkeit, einfach dorthin zurückzukehren, wo man einmal zu Hause war.

Das Erwachsenwerden ist ein seltsamer Prozess und viele Filme, die dieses Thema behandeln, erzählen von großen Erkenntnissen und angestrebten Zielen. Jaume Claret Muxarts Langfilmdebüt „Strange River“ verweigert sich genau dieser Bewegung. Sein Film erzählt nicht davon, wie ein junger Mensch genau herausfindet, wer er ist, sondern von den viel diffuseren Momenten davor – von einer Zeit, in der sich etwas grundlegend ändert, ohne dass man es bereits begreifen kann.

Ein Film über krebskranke Jugendliche erweckt in meinem Kopf Bilder von Krankenhausfluren, Tränen und einer Geschichte, in der jeder unbeschwerte Moment zwangsläufig vom Wissen um den Tod überschattet wird. Regisseur George Jaques nimmt diesen Erwartungshorizont und macht beinahe das Gegenteil daraus: Sein „Sunny Dancer“ ist ein Film über Krebs, in dem Krebs erstaunlich selten im Mittelpunkt steht.

Die Sonne geht unter. Ein junges Mädchen stirbt. Und trotzdem wird es morgen wieder hell. Sandra Wollners „Everytime“ erzählt von Trauer und vor allem davon, wie schrecklich es sein kann, dass die Welt sich von ihr nicht beeindrucken lässt. Während für die Hinterbliebenen die Zeit stillzustehen scheint, läuft sie für alle anderen unbeirrt weiter. Genau diesen Widerspruch macht Wollner zum emotionalen Zentrum ihres Films. Wie verändert sich der Blick auf die Welt, wenn ein geliebter Mensch plötzlich fehlt? Was passiert mit Erinnerungen, mit gemeinsamen Zukunftsplänen oder mit Orten, die untrennbar mit einer Person verbunden sind?

Helen Macdonald hat eine Vogel – im wahrsten Sinne des Wortes. In ihrem autobiografischen Bestseller „H wie Habicht“ verarbeitet sie, wie der Habicht Mabel ihr in einer dunklen Lebensphase neuen Mut gab. Memoir, Roman, Naturbeobachtung und Traueressay greifen in diesem Buch so eng ineinander, dass sich die Geschichte kaum auf ihre Handlung reduzieren lässt. Regisseurin Philippa Lowthorpe steht mit ihrer Verfilmung damit vor einer schwierigen Aufgabe: Wie lässt sich Text, dessen größte Stärke nicht das Geschehen selbst, sondern das Denken und Fühlen seiner Autorin ist, in eine filmische Form übersetzen?

Christopher Nolan ist einer dieser Regisseure, bei denen jeder neue Film automatisch zum Kinoereignis wird. Kaum ein anderer seiner Filme polarisierte bereits Wochen vor Veröffentlichung so stark wie „Die Odyssee“: Während Fans schon anhand des Trailers ein Meisterwerk prophezeiten, wurden Entscheidungen rund um Casting und Inszenierung auf Basis minimaler Informationen zu Tode analysiert und kritisiert. Auf Social Media kam man kaum an diesen Debatten vorbei und daher war es schwer, unvoreingenommen in diesen Film zu gehen.

Das zeitgenössische Autorenkino leidet mitunter an einem merkwürdigen Widerspruch: Es behauptet oft, den Alltag abzubilden, strukturiert ihn aber dennoch nach den vertrauten Regeln klassischer Dramaturgie. Filmemacher Lucio Castro geht mit „Drunken Noodles“ einen anderen Weg und interessiert sich für das Ungeordnete im Leben selbst – für Begegnungen ohne Pointe, Erinnerungen ohne Chronologie und Beziehungen, die sich einer eindeutigen Einordnung entziehen.

Was ist gruseliger als Geister Dämonen und Serienkiller? Richtig! Männer. – Spaß beiseite, natürlich möchte in an dieser Stelle nichts und niemanden verallgemeinern, doch es lässt sich kaum bestreiten, dass viele der erschreckendsten Horrorgeschichten ihren Ursprung nicht im Übernatürlichen, sondern im Menschlichen haben. Genau an diesem Punkt setzt „Obsession - Du sollst mich lieben“, das Spielfilmdebüt von Regisseur Curry Barker, an und was als übernatürliches Phänomen beginnt, entwickelt sich schon bald zu einer beklemmenden Auseinandersetzung mit Besitzansprüchen und emotionaler Abhängigkeit.

Seit Jahrhunderten wird der Gesetzlose Robin Hood in Liedern und Legenden als Volksheld besungen – der Bogenschütze, der den Reichen nimmt und den Armen gibt, ein Rebell mit moralischem Kompass. Mit „The Death of Robin Hood“ hinterfragt Regisseur Michael Sarnoski diese Legende und untersucht, was von einem Helden noch bleibt, wenn seine eigenen Geschichten ihn einholen.

Die Frage nach außerirdischem Leben hat Steven Spielbergs Karriere geprägt wie kaum ein anderes Thema. Mit „Disclosure Day - Der Tag der Wahrheit“ kehrt er erneut zu jenem Motiv zurück, das bereits Filme wie „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ oder „E.T.“ begleitet hat. Doch statt eines reinen Science-Fiction-Abenteuers präsentiert Spielberg diesmal einen Film, der Verschwörungsthriller, Gesellschaftsdrama und metaphysische Sinnsuche miteinander verbinden möchte. Das Ergebnis ist ein Werk voller Ambitionen, das jedoch nicht immer die emotionale und erzählerische Kraft entwickelt, die seine Prämisse verspricht.