Requiem for a Dream

Wenn man einen Film sehr gut findet, möchte man ihn häufig irgendwann ein zweites Mal schauen – „Requiem for a Dream“ war eines meiner intensivsten Kinoerlebnisse und ich möchte ihn nie wieder sehen. Darren Aronofskys filmischer Fiebertraum ist eine emotionale Grenzerfahrung, die sich tief ins Gedächtnis einprägt. In seiner Inszenierung verweigert sich der Film jeder Form von Komfort: Er zwingt dazu, hinzusehen und auszuhalten. Dabei zieht er sein Publikum immer tiefer in einen Strudel aus falscher Hoffnung, Obsession und völliger Selbstzerstörung.

Im Zentrum des Films stehen 4 Figuren, deren Leben auf unterschiedliche Weise von dem Wunsch nach einer besseren Zukunft bestimmt wird. Sara Goldfarb (Ellen Burstyn) ist eine ältere Witwe, deren Alltag aus Einsamkeit und Fernsehkonsum besteht. Als sie glaubt, die Chance auf einen Fernsehauftritt zu bekommen und noch einmal Bedeutung in ihrem Leben zu finden, startet ein destruktiver Versuch der Selbstoptimierung. Gleichzeitig träumt ihr Sohn Harry (Jared Leto) gemeinsam mit seiner Freundin Marion (Jennifer Connelly) und seinem Freund Tyrone (Marlon Wayans) von einem Weg heraus aus der Armut und Perspektivlosigkeit. Langsam aber sicher verwandeln sich diese Hoffnungen in eine Spirale aus Drogenkonsum und Selbstzerstörung, in der jede Entscheidung die Figuren weiter von ihrem ursprünglichen Ziel entfernt.

© D.R.

In „Requiem for a Dream“ beobachtet das Publikum den Absturz und die Abhängigkeit der Figuren nicht nur, sondern erfährt alle Hochs und Tiefs gemeinsam mit ihnen. Die Kamera wird zu einem Instrument psychologischer Zerrüttung. Extreme Nahaufnahmen von aufgezogenen Spritzen, injizierten Substanzen und sich weitenden Pupillen wechseln sich mit rasanten Schnittfolgen ab, die den Rhythmus der Sucht widerspiegeln – kurze, intensive Momente des Highs, gefolgt von einem immer schnelleren, immer brutaleren Fall. Wiederholte visuelle Motive verdichten sich im Verlauf des Films und verdeutlichen, wie sich der Konsum im Leben der Charaktere festigt. Was anfangs noch als einzelne Handlung erscheint, wird zur Routine, dann zur Notwendigkeit und schließlich zur völligen Abhängigkeit.

Einen wesentlichen Anteil an der Wirkung des Films hat auch die Musik von Clint Mansell. Der Score ist längst legendär und unzählige Male in anderen medialen Zusammenhängen verwendet worden. Seine sich wiederholenden, stetig anschwellenden Streicherpassagen treiben den Film unerbittlich voran und verstärken das Gefühl einer anschwellenden inneren Panik. Die Komposition verschmilzt mit den Bildern zu einem emotionalen Sog, aus dem es kein entkommen gibt – weder für die Filmfiguren noch für das Publikum.

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So intensiv die jüngeren Figuren gespielt sind – „Requiem for a Dream“ gehört letztendlich Ellen Burstyn. Ihre Darstellung von Sara Goldfarb ist eine der erschütterndsten Performances des modernen amerikanischen Kinos. Sie spielt eine Frau, deren Bedürfnis nach Anerkennung und Sichtbarkeit zutiefst nachvollziehbar ist. Sie möchte wieder in ein rotes Kleid passen, das sie einst getragen hat. Sie möchte schön sein. Sie möchte gesehen werden. Gerade weil dieser Wunsch so harmlos beginnt, ist es umso schwerer, ihrem ausweglosen Verfall zuzusehen.

Im Kontext von „Uppers and Downers“ markiert „Requiem for a Dream“ den tiefsten Punkt dieses heimkino.-Monats. Nach den Höhenflügen und den strukturellen Einblicken der vorherigen Filme führt er das Publikum direkt in den Absturz. Weit über das Thema des Drogenmissbrauchs hinaus untersucht „Requiem for a Dream“ viele verschiedene Formen menschlicher Abhängigkeit – die Sucht nach Jugend, nach Liebe, nach Anerkennung, nach gesellschaftlichem Aufstieg. Aronofsky zeigt Menschen, die ihre inneren Leerräume mit äußeren Versprechen füllen wollen und daran zerbrechen. Die Drogen sind letztendlich das Symptom eines tieferliegenden Schmerzes, der die Figuren und ihr Leben langsam zerfrisst. Gerade diese Vielschichtigkeit macht den Film so universell und gleichzeitig so schwer auszuhalten.

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„Requiem for a Dream“ ist ein Film, den man mehr durchsteht, als dass man ihn schaut. Auf der großen Leinwand entfaltet sich diese Wirkung mit voller Intensität – die Bilder, der Sound und die Nähe zu den Figuren lassen kein Wegschauen zu. Es ist eine Erfahrung, die erschüttert, verstört und lange nachhallt. Aronofsky zeigt mit bedrückender und kompromissloser Präzision, wie aus Hoffnung langsam Besessenheit werden kann und wie aus dem Wunsch nach Glück ein Weg in den völligen Verfall entsteht. Gerade weil der Film seine Figuren niemals verurteilt, sondern ihnen mit schmerzhafter Nähe begegnet, trifft ihre Tragödie umso härter. Eine unvergessliche Seherfahrung, die ich nicht noch einmal erleben möchte.

Noch mehr Highs und Lows gibt es im restlichen April bei heimkino. Hier geht es zur Monatsübersicht.