Die „Sirat-Brücke“ ist im Islam eine Brücke, die im Jenseits über die Hölle führt und von den Toten am Jüngsten Tag überquert werden muss, um ins Paradies zu gelangen. Sie wird als sehr dünn und scharf, vergleichbar mit einem Haar oder einem Schwert, beschrieben. „Sirât“, ein Film von Regisseur Oliver Laxe, trägt seinen Titel daher nicht zufällig. Protagonisten und Publikum müssen im Verlauf dieses Werks  gleichermaßen balancieren: zwischen Hoffnung und Verzweiflung, Schönheit und Zerstörung, Ekstase und Untergang.

„Hast du die Hausaufgaben gemacht? Kann ich die bei dir abschreiben? Ich änder auch ein bisschen was ab, das fällt gar nicht auf.“ So oder so ähnlich muss wohl die Stoffentwicklung von „Freakier Friday“, dem Sequel zur ikonischen Diney-Komödie „Freaky Friday“ aus 2003, ausgesehen haben. Nach mehr als zwei Jahrzehnten kehrt der altbekannte Cast auf die Große Leinwand zurück – mit neuem Look, neuen Konflikten und doppeltem Körpertausch-Wahnsinn. Doch wenn sich ein Film so sehr darauf verlässt, dass Nostalgie allein ausreicht, um ein Publikum von damals und heute gleichermaßen zu begeistern, kann auch der Kultstatus nichts mehr retten.

Wenn ein Film bereits im Titel durchscheinen lässt, dass er sich selbst nicht ganz so ernst nimmt, ist das meistens eine gute Grundlage für leichte Unterhaltung und wenn dann auch noch eine gute Prise Nostalgie hinzugegeben wird, kann ja eigentlich nicht mehr viel schiefgehen… oder? Mit „Die Nackte Kanone“, einem Reboot von Regisseur Akira Schaffer, kehrt eines der wohl ikonischsten Slapstick-Franchises der 80er und 90er zurück auf die Große Leinwand.

Was hält zwei Menschen wirklich zusammen? Liebe, Gewohnheit, Angst – oder etwas viel Dunkleres, Unausgesprochenes? „Together – Unzertrennlich“ geht dieser Frage auf eine radikale, verstörende und zugleich überraschend zärtliche Weise nach. Das Spielfilmdebüt von Regisseur Michael Shanks, welches  auf den ersten Blick wie ein intimes Beziehungsdrama wirkt, entpuppt sich schnell als albtraumhafte Reise in die Abgründe emotionaler Abhängigkeit.

Es gibt Geschichten, die nicht erzählt werden wollen. Sie verstecken sich – in alten Kisten, den hintersten Ecken des Unterbewusstseins oder unter dicken Schichten aus Schweigen und Scham. „Memoiren einer Schnecke“, der neue Stop-Motion-Film von Regisseur Adam Elliot, ist eine dieser Geschichten. Eine, die sich langsam entfaltet, wie eine Schnecke, die zaghaft aus ihrem Haus kriecht – verletzlich, schutzbedürftig und doch entschlossen, sich endlich dem Licht zu stellen.

„Ich wäre lieber tot, als angekettet. Du nicht auch?“ Während der Hund, der auf dem Dach des Nachbarhauses angebunden ist, unentwegt bellt, verbringt Sofia fast jede Minute ihres Tages damit, ihre kranke Mutter Rose zu unterstützen. In der Sonne Almerías entfaltet sich mit „Hot Milk“das Regiedebüt der Drehbuchautorin Rebecca Lenkiewicz und in der sengenden Hitze beginnen nicht nur der Körper, sondern auch seelische Verkrustungen aufzubrechen.

Man vermische einen genetisch manipulierten Dinosaurier mit ein paar geldgeilen Wissenschaftlern und gebe eine Prise idiotischer Kinder hinzu – Tadaa, schon hat man einen neuen „Jurassic World“-Film. Anstatt sich mal was Neues auszudenken, recycelt man die gleiche Storyline einfach immer leicht abgewandelt und auch die neueste Addition „Jurassic World: Die Wiedergeburt“, die Regisseur Gareth Edwards der Reihe beisteuert, ist kein Neustart, sondern eine filmische Totgeburt.

Verlassene Großstädte, Massenpanik, Militär – so sah die Welt in „28 Days Later“ und „28 Weeks Later“ aus, nachdem sich ein fataler Virus auf die Menschheit ausbreitete. Nun, mehr als 20 Jahre nach dem Release des ersten Films, kehrt Regisseur Danny Boyle mit „28 Years Later“ zurück – dem Auftakt einer neuen Trilogie, die mit gewohntem Horror, aber auch überraschender Tiefe aufwartet.

„The Substance“, aber als Märchen? Seit im letzten Jahr Coralie Fargeats großer Erfolg über die Kinoleinwände flimmerte und die Filmszene in Aufruhr versetzte, gehört feministischer Body-Horror zu meine liebsten Subgenres. Dass dieses nun mit einer märchenhaften Finsternis und bitteren Ironie neu aufgeladen wird, ist dem bemerkenswert kompromisslosen Spielfilmdebüt der norwegischen Regisseurin Emilie Blichtfeldt zu verdanken. Mit „The Ugly Stepsister“ liefert sie eine verstörende Neuinterpretation der Aschenputtel-Erzählung, die keinesfalls an der Oberfläche kratzt, sondern tief ins Fleisch schneidet.

Mit „Wenn das Licht Zerbricht“ (Originaltitel: Ljósbrot) gelingt dem isländischen Regisseur Rúnar Rúnarsson ein stilles Drama über Verlust, Identität und die Zerbrechlichkeit menschlicher Beziehungen. Der Film, welcher seine Geschichte über einen einzigen Tag hinweg entfaltet, setzt sich intensiv mit den Nuancen der Trauer auseinander.

Immer mehr animierte Disney-Klassiker bekommen eine Live-Action-Adaption und nun flimmert auch eine Neuauflage des beliebten Märchens „Schneewittchen“ über die große Leinwand. Regisseur Marc Webb hat versucht, das bekannte Märchen für ein modernes Publikum neu zu interpretieren, bleibt jedoch hinter den Erwartungen zurück und liefert ein insgesamt mittelmäßiges Kinoerlebnis.

Tom Tykwer, bekannt für seine einzigartigen visuellen Erzählweisen, kehrt mit „DAS LICHT“ auf die große Leinwand zurück. Der Film, der die 75. Berlinale eröffnete, greift große gesellschaftliche Themen auf, während im Zentrum der Handlung eine dysfunktionale Familie mit ihren ganz eigenen Problemen umgehen muss. Ein Werk, das mehr verspricht, als es halten kann.